Musikästhetik: Musik verstehen und beurteilen

Warum berührt dich ein Stück, während eine andere Person es langweilig findet? Liegt die Wirkung in der Musik selbst, in deinen Erfahrungen oder in der Situation des Hörens? Solche Fragen gehören zur Musikästhetik.

Typische Fragen sind:

• Was macht Musik schön, gelungen oder bedeutsam?
• Drückt Musik bestimmte Gefühle aus?
• Wirkt dieselbe Musik auf alle Menschen gleich?
• Kann Instrumentalmusik etwas bedeuten, obwohl sie keinen Text besitzt?
• Ist vor allem die Form des Werks wichtig oder auch seine Wirkung auf Hörende?
• Welche Rolle spielen Umwelt, Alltag und Kultur bei ästhetischen Erfahrungen?

Musikästhetische Antworten sind keine bloßen Geschmacksäußerungen. Sie nennen Kriterien und stützen sich auf nachvollziehbare Beobachtungen.

Menschen dachten schon lange vor der Entstehung des Begriffs „Musikästhetik“ über Musik und ihre Wirkung nach. Die Leitfragen änderten sich dabei.

In der Antike verbanden die Pythagoreer Musik mit Zahl und Harmonie. Platon betrachtete Musik auch als Mittel der Erziehung. Aristoteles fragte unter anderem danach, wie Musik Charakter, Seele und Affekte beeinflussen kann.

Im Mittelalter wurde Musik zunächst vor allem als mathematische Wissenschaft und als Teil einer größeren kosmischen oder theologischen Ordnung verstanden. Beim liturgischen Gesang war sie an einen religiösen Text und Zweck gebunden. Eine vom Text unabhängige „absolute Musik“ stand noch nicht im Mittelpunkt.

Im 18. Jahrhundert gewannen Geschmack, Affekt und Empfindung an Bedeutung. Johann Joseph Fux hielt handwerkliche Regeln und mathematische Begründungen für entscheidend. Nach der Affektenlehre sollte Musik die Hörenden „rühren“. Leopold Mozart betonte später Natürlichkeit, Einfachheit und den empfindenden Spieler: Wer einen Affekt vermitteln wollte, sollte sich selbst in ihn versetzen.

Im 19. Jahrhundert wurde Instrumentalmusik zunehmend als eigenständige Kunst betrachtet. Nun stritt man besonders darüber, ob ihr Sinn in Ausdruck und außermusikalischen Ideen oder in ihrer musikalischen Form liege.

Im 20. Jahrhundert rückten neue Klangordnungen, technische Produktion und offene Formen in den Vordergrund. Atonalität, Zwölftontechnik, serielle Musik, elektronische Musik, Aleatorik und Minimal Music veränderten die Vorstellungen davon, was musikalisches Material und ein Werk sein können.

Ein besonders wichtiger Gegensatz betrifft die Frage, ob Musik vor allem durch ihren Ausdruck und ihre Wirkung oder durch ihre innere Gestaltung verstanden werden soll.

In der romantischen Musikästhetik galt Instrumentalmusik häufig als Zugang zum „Unaussprechlichen“. E. T. A. Hoffmann bezeichnete die absolute Instrumentalmusik als besonders romantische Kunst. Sie bilde keine eindeutig benennbare Außenwelt ab, könne aber unbestimmte Gefühle hervorrufen und über Sprache hinausweisen.

Schopenhauer schrieb Musik eine besondere metaphysische Stellung zu: Während andere Künste Vorstellungen abbildeten, sei Musik ein „Abbild des Willens selbst“. Diese Auffassung beeinflusste unter anderem Gustav Mahler und Arnold Schönberg.

Eduard Hanslick wandte sich gegen die Vorstellung, erregte Gefühle seien das Wesen der Musik. Für ihn bestand der musikalische Inhalt in „tönend bewegten Formen“. Er leugnete nicht, dass Musik Gefühle auslösen kann. Er wollte diese subjektive Wirkung jedoch aus der ästhetischen Analyse ausschließen, weil sie nicht im Werk selbst liegt und sich nicht zwingend aus einem musikalischen Reiz ableiten lässt.

Friedrich von Hausegger zog die entgegengesetzte Folgerung. Für ihn war das Wesen der Musik Ausdruck. Er hielt eine Erklärung der Beziehung zwischen musikalischem Reiz und Gefühl mithilfe physiologischer und psychologischer Ansätze für möglich.

Im 20. Jahrhundert richtete sich die Aufmerksamkeit verstärkt auf die Organisation des musikalischen Materials. Komponierende veränderten überlieferte Regeln, Klangbeziehungen und Rollenverteilungen.

Atonalität und Zwölftontechnik

Atonalität bezeichnet Musik, die sich dem vorherrschenden Prinzip der Tonalität entzieht. Sie ist nicht einfach „ohne Ordnung“. Vielmehr werden gewohnte tonale Funktionen aufgelöst oder weiterentwickelt. Schönbergs Idee einer „Emanzipation der Dissonanz“ stellt Klänge gleichwertiger nebeneinander, die zuvor unterschiedlich behandelt worden waren.

Die Zwölftontechnik ordnet die zwölf Töne der chromatischen Tonleiter so, dass kein einzelner Ton selbstverständlich als Zentrum hervortritt. Sie setzt damit die Gleichberechtigung der Töne in ein geregeltes Verfahren um.

Serielle Musik und Aleatorik

Serielle Musik überträgt die geordnete Reihung auf mehrere musikalische Parameter. Klangmaterial soll durch festgelegte Beziehungen umfassend organisiert werden.

Aleatorik arbeitet dagegen mit geregeltem Zufall. Der Komponist gibt einen begrenzten Vorrat oder bestimmte Strukturen vor, lässt aber Teile des Ergebnisses offen. Dadurch können Reihenfolge, Dauer oder Einzelheiten einer Aufführung variieren. Die Verantwortung der Interpretierenden wächst.

Elektronische Musik und Minimal Music

Elektronische Musik erweitert das verfügbare Klangmaterial. Elektronisch erzeugte und bearbeitete Klänge lösen Komponierende teilweise von den spieltechnischen Grenzen herkömmlicher Instrumente. Weil eine Person Klänge erzeugen, ordnen und unmittelbar realisieren kann, kann die Grenze zwischen Komponist und Interpret kleiner werden.

Minimal Music reduziert das Material und nutzt Wiederholung als Gestaltungsmittel. Die wiederholten Muster bleiben nicht zwingend gleich, sondern verändern sich innerhalb eines Prozesses. Steve Reich beschrieb Musik als Prozess, Philip Glass als Mosaik. Beide Modelle können eine potenziell unbegrenzte Form hervorbringen.

Ein begründetes Urteil trennt drei Ebenen:

1. Beobachtung: Was ist in der Musik hörbar oder an ihrer Gestaltung feststellbar?
2. Deutung: Welche mögliche Bedeutung oder Wirkung leitest du daraus ab?
3. Werturteil: Wie bewertest du das Ergebnis nach einem genannten Kriterium?

Mögliche Kriterien sind zum Beispiel formale Geschlossenheit, Ausdruckskraft, Verständlichkeit, Originalität, Stimmigkeit zwischen Mitteln und Wirkung oder produktiver Umgang mit Erwartungen. Ein Kriterium ist nicht von selbst allgemein gültig. Du musst erklären, warum es für die untersuchte Musik sinnvoll ist.

So entwickelst du dein Urteil:

1. Beschreibe auffällige musikalische Merkmale.
2. Deute ihre mögliche Wirkung oder Bedeutung.
3. Nenne dein Bewertungskriterium.
4. Verknüpfe Urteil und Beobachtungen nachvollziehbar.
5. Prüfe eine Gegenposition mit einem anderen Kriterium.
6. Benenne, welche neuen Beobachtungen dein Urteil verändern könnten.