Musik der Renaissance: Merkmale und Wandel

Renaissancemusik gehört vor allem in das 15. und 16. Jahrhundert. Für das 15. Jahrhundert werden häufig drei aufeinanderfolgende Komponistengenerationen mit Guillaume Dufay, Johannes Ockeghem und Josquin Desprez verbunden. Musiker aus Nordwesteuropa prägten die Entwicklung der europäischen Mehrstimmigkeit besonders stark.

Der Name „Renaissance“ bedeutet „Wiedergeburt“ und verweist auf die erneute Beschäftigung mit der griechischen und römischen Antike. Der Begriff wurde jedoch erst später auf diese Zeit übertragen.

Um 1600 entstanden die ersten Opern. Dieser Zeitpunkt kann sowohl als spätes Ergebnis von Renaissanceideen als auch als Übergang zu einer neuen musikalischen Epoche betrachtet werden.

Viele Werke der Renaissance sind polyphon. Polyphonie bedeutet, dass mehrere eigenständig geführte Stimmen gleichzeitig erklingen und zusammen einen geregelten Satz bilden.

In Motetten konnte eine Textzeile mit einem kurzen musikalischen Motiv beginnen. Dieses Motiv wanderte anschließend durch die verschiedenen Stimmen. Dadurch blieb jede Stimme eigenständig, während das wiederkehrende Motiv den Zusammenhang hörbar machte.

Auch ganze Messzyklen wurden musikalisch verbunden. Ein mögliches Mittel war ein Motto: Mehrere Sätze begannen mit gleichen oder sehr ähnlichen Takten.

Das Klangideal veränderte sich ebenfalls. Vollere Zusammenklänge gewannen an Bedeutung; Terzen und Sexten wurden stärker als wohlklingende Intervalle eingesetzt. Zugleich setzte sich die Gliederung des Chores in Sopran, Alt, Tenor und Bass durch.

Mehrstimmigkeit konnte die Verständlichkeit des gesungenen Textes erschweren. Deshalb suchten Komponisten nach einem Ausgleich zwischen kunstvoller Stimmenführung und klarer Textvermittlung. Giovanni Pierluigi da Palestrina gilt als wichtiger Vertreter dieses Bemühens.

Musik erklang weiterhin in religiösen Zusammenhängen, wurde aber zunehmend auch für weltliche Unterhaltung komponiert. Zu den bedeutenden geistlichen Gattungen gehörten Messe und Motette. Die Chanson war eine weltliche Liedform.

Komponisten konnten einzelne Wörter musikalisch abbilden. Eine solche symbolische Darstellung des Textes heißt Madrigalismus. Entscheidend ist dabei die Beziehung zwischen Wort und musikalischer Gestaltung, nicht bloß die Anzahl der Stimmen.

Die Reformation veränderte außerdem die Funktion von Kirchenmusik. Im protestantischen Gottesdienst sollte die Gemeinde stärker beteiligt werden. Deshalb gewann der deutschsprachige Gemeindegesang an Bedeutung. Martin Luther schrieb mehr als 30 protestantische Kirchenlieder, darunter „Vom Himmel hoch da komm ich her“ und „Ein feste Burg ist unser Gott“.

Obwohl Vokalmusik im Mittelpunkt stand, wurde Instrumentalmusik eigenständiger. Besonders verbreitet war die Laute. Sie diente als Hausinstrument, begleitete Gesang und spielte eingerichtete Fassungen von Vokalwerken. Für sie gab es eine eigene Griffschrift, die Tabulatur.

Instrumente wurden häufig als Familien verschiedener Stimmlagen gebaut. So konnten hohe, mittlere und tiefe Instrumente die Gliederung eines mehrstimmigen Vokalensembles nachbilden. Ensembles bestanden entweder aus einer Instrumentenfamilie oder aus einer Mischung verschiedener Instrumente.

Die Besetzung eines Werkes war oft nicht vollständig festgelegt. Sie richtete sich nach dem Stück und nach den verfügbaren Musikerinnen und Musikern.

Typische Instrumente waren unter anderem Laute, Blockflöte, Krummhorn, Spinett, Cembalo und Dulzian. Der Dulzian gilt als Vorläufer des Fagotts; die Viola da braccio gehört zu den Vorläufern später gebräuchlicher Streichinstrumente.

Auch die Drucktechnik beeinflusste das Musikleben. Noten, Flugblätter und Gesangbücher ließen sich vervielfältigen und schneller verbreiten. Für die Orgel entstanden zudem regionale Notationsformen und Lehrbücher.

In der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts wurden mehrere Entwicklungen sichtbar:

• Chromatische Tonfolgen erweiterten die Ausdrucksmöglichkeiten.
• Musik reagierte stärker auf Inhalt und Stimmung eines Textes.
• Quart- und Quintschritte im Bass bereiteten spätere tonale Ordnungen vor.
• In Venedig wurden räumlich getrennte Sänger- und Instrumentalgruppen eingesetzt. Unterschiedliche Aufstellungen und Besetzungsgrößen erzeugten Kontraste.
• Wortbestimmtes Musikdrama führte um 1600 zur frühen Oper.

Jacopo Peris im Jahr 1600 uraufgeführte Euridice gilt als erste erhaltene Oper. Claudio Monteverdis L’Orfeo von 1607 gehört bereits deutlich in den Übergang zur neuen Epoche.

Vertiefung: Warum ist der Epochenbegriff umstritten?

„Renaissance“ ist eine nützliche Ordnungshilfe, aber keine lückenlose musikalische Schublade. Manche musikhistorischen Darstellungen bevorzugen deshalb die neutralere Bezeichnung Musik des 15. und 16. Jahrhunderts. Ein Grund dafür ist, dass Entwicklungen in Musik, Malerei und Architektur nicht genau gleichzeitig oder nach denselben Regeln verliefen.

Für eine begründete Einordnung solltest du daher mehrere Indizien verbinden:

1. Wie werden die Stimmen geführt?
2. Welche Zusammenklänge und Klangfarben fallen auf?
3. Ist der Text geistlich oder weltlich?
4. Welche Funktion erfüllt das Stück?
5. Welche Instrumente, Notations- oder Aufführungspraktiken passen dazu?

Du kannst Renaissancemusik nun an mehreren Indizien erkennen: an ihrer kunstvollen Mehrstimmigkeit, dem veränderten Klangideal, geistlichen und weltlichen Funktionen, flexiblen Instrumentalbesetzungen und neuen Formen der Verbreitung. Besonders wichtig ist dabei, musikalischen Wandel als Entwicklung mit Übergängen zu beschreiben.