Mittelalterliche Musik: Choral, Organum und Ars nova

Diese Seite betrachtet vor allem die schriftlich überlieferte europäische Musik bis etwa 1430. Das ist eine nützliche Eingrenzung, aber keine weltweit gültige Schublade. Auch innerhalb Europas unterschieden sich Regionen, Zeiten und musikalische Aufgaben deutlich.

Musik erfüllte verschiedene Funktionen:

• In Kirchen und Klöstern war sie Teil der Liturgie, also des geregelten Gottesdienstes.
• An Höfen gehörten Lieder und Instrumentalmusik zum gesellschaftlichen Leben.
• Spielleute musizierten bei Festen und anderen öffentlichen Anlässen.
• Volks-, Tanz- und improvisierte Musik wurde häufig mündlich weitergegeben.

Von vielen geistlichen Werken besitzen wir Handschriften. Über weltliche, instrumentale und improvisierte Praxis wissen wir dagegen weniger. Was erhalten ist, bildet deshalb nicht das gesamte damalige Musikleben ab.

Heutige „Mittelaltermusik“ auf Märkten oder in Unterhaltungsangeboten kann historische Elemente verwenden. Ohne Angaben zu Werk, Quelle und Rekonstruktion ist sie jedoch nicht automatisch Musik aus dem Mittelalter.

Der Gregorianische Choral ist ein lateinischer Gesang der römisch-katholischen Liturgie. Er ist einstimmig und wird ohne Instrumentalbegleitung gesungen.

Der Rhythmus des Chorals folgt dem Text und keinem durchgehend festen Takt. Die Gesänge gehörten vor allem zur Messe und zum Stundengebet. In der Messe wechselten Gesänge des Propriums mit dem Kirchenjahr oder Fest, während die Texte des Ordinariums gleich blieben.

Die Bezeichnung „gregorianisch“ bedeutet nicht, dass Papst Gregor I. alle Choralmelodien komponiert hat. Mittelalterliche Darstellungen verbinden ihn mit göttlicher Eingebung; die mehreren tausend Melodien können jedoch nicht das Werk einer einzigen Person sein. Entstehung und Vereinheitlichung des Repertoires sind nicht vollständig geklärt.

Frühe Neumen waren Zeichen aus Punkten, Strichen und anderen Formen. Sie konnten den Verlauf einer bekannten Melodie andeuten. Ohne Liniensystem blieb die genaue Tonhöhe jedoch oft unbestimmt. Mündliches Lernen war daher weiterhin wichtig.

Guido von Arezzo entwickelte im 11. Jahrhundert ein System mit vier Linien und Zwischenräumen weiter. Darin erhielten die Neumen feste Positionen. Sänger konnten Tonhöhen und Intervalle dadurch zuverlässiger erkennen.

Guido nutzte außerdem einen bekannten Hymnus als Lernhilfe. Die Anfangstöne aufeinanderfolgender Phrasen bildeten eine steigende Tonfolge. Daraus entstanden die Tonsilben ut–re–mi–fa–sol–la; die Silbe si kam später hinzu.

Die Tonhöhennotation löste nicht sofort jedes Problem. Mehrstimmige Musik benötigte zusätzlich eine genauere Darstellung des Rhythmus. Im 13. Jahrhundert ersetzte die Mensuralnotation schrittweise ältere Rhythmusmodelle. Unterschiedliche Notenformen konnten nun unterschiedliche Dauern anzeigen, auch wenn ihre Deutung noch vom musikalischen Zusammenhang abhing.

Beim Organum wird ein vorhandener einstimmiger Choral durch mindestens eine weitere Stimme ergänzt.

Ein frühes zweistimmiges Parallelorganum konnte so verlaufen:

1. Beide Stimmen beginnen auf demselben Ton.
2. Sie entfernen sich voneinander, bis ein passender Abstand erreicht ist.
3. Sie bewegen sich eine Zeit lang parallel, etwa in reinen Quinten.
4. Am Ende kehren sie zum Einklang zurück.

Um 1200 wurde die Gestaltung beweglicher: Lang ausgehaltene Töne eines Chorals konnten von bis zu drei rascheren Stimmen umspielt werden. Die Notre-Dame-Schule in Paris war ein wichtiges Zentrum dieser Entwicklung. Diese Zeit des 12. und 13. Jahrhunderts wird häufig als Ars antiqua, „alte Kunst“, bezeichnet.

Eine zentrale Gattung des 13. Jahrhunderts war die Motette. In ihr konnten mehrere Stimmen gleichzeitig verschiedene Texte singen, sogar in unterschiedlichen Sprachen. Die Texte konnten inhaltlich aufeinander reagieren. Solche Stücke verlangten aufmerksames Hören und richteten sich häufig an gebildete Zuhörer.

Im 14. Jahrhundert erweiterten Komponisten die rhythmischen Möglichkeiten. Die französische Ars nova, „neue Kunst“, nutzte die Mensuralnotation für differenziertere Rhythmen und komplexere Formen. Guillaume de Machaut ist ein wichtiger Vertreter.

Ein kennzeichnendes Verfahren war die Isorhythmie, besonders im Tenor, also in einer tragenden Stimme:

• Die Talea ist ein wiederkehrendes rhythmisches Modell.
• Die Color ist eine wiederkehrende Tonfolge.
• Beide können unterschiedlich lang sein und sich daher gegeneinander verschieben.

Die Wiederholungen sind dann nicht immer an denselben Stellen gleichzeitig abgeschlossen. Dadurch kann die Gesamtform schwer unmittelbar zu hören sein.

Zeitgleich entwickelte sich im italienischen Trecento eine eigene Tradition. Sie unterschied sich von der französischen Musik in Notation und Stil. Als wichtige Gattung galt die Ballata. In der Caccia „jagten“ sich zwei kanonisch geführte Oberstimmen. Francesco Landini war ein bedeutender Komponist des Trecento.

Gehe nicht von einem einzigen Klangklischee aus. Prüfe stattdessen fünf Fragen:

1. Funktion: Gehört die Musik zur Liturgie, zum Hof, zum Tanz oder zu einem anderen Zusammenhang?
2. Besetzung: Erklingt eine Melodielinie oder erklingen mehrere verschiedene Stimmen?
3. Text: Ist er lateinisch, weltlich oder auf mehrere Stimmen und Sprachen verteilt?
4. Rhythmus und Notation: Wirkt der Rhythmus frei am Text orientiert oder präzise mehrstimmig organisiert?
5. Überlieferung: Ist das Werk in einer historischen Handschrift belegt, nur mündlich erschließbar oder eine moderne Gestaltung?

Vertiefung: Was kann eine Quelle nicht zeigen?

Eine Handschrift zeigt zunächst, was notiert und erhalten wurde. Sie verrät nicht automatisch, wie häufig ein Stück erklang, wie es in jeder Region aufgeführt wurde oder welche improvisierten Teile hinzukamen.

Gerade Volkslied, Tanz-, Spielmanns- und Instrumentalmusik sind wegen später oder lückenhafter Quellen schwer zu rekonstruieren. Auch unterschiedliche Fassungen desselben Werks können eine eindeutige Rekonstruktion verhindern.