Atonalität einfach erklärt: Merkmale und Hören

In tonaler Musik beziehen sich Melodien und Akkorde auf eine Tonart. Ein Ton oder Akkord wirkt als tonales Zentrum: Er vermittelt häufig Ruhe, Ziel oder Abschluss.

Akkorde besitzen dabei bestimmte Funktionen. Die Tonika bildet das Zentrum, die Dominante erzeugt eine starke Spannung zur Tonika, und die Subdominante führt häufig vom Zentrum weg.

Atonale Musik verzichtet auf dieses traditionelle Bezugssystem. Ihre Klänge müssen deshalb nicht auf eine Tonika hinführen. Bedeutung und Zusammenhang entstehen stattdessen beispielsweise durch Motive, Stimmführung, Intervalle, Rhythmus, Klangfarbe, Dynamik oder Form.

Wenn Akkorde nicht mehr als Tonika, Dominante oder Subdominante funktionieren, verschwinden musikalische Beziehungen nicht. Sie verändern sich.

Eine Linie kann etwa ein kurzes Motiv wiederholen und abwandeln. Mehrere Stimmen können durch ihre Bewegungsrichtungen zusammengehören. Auch ähnliche Intervalle, wiederkehrende Rhythmen, wechselnde Klangfarben oder deutliche Kontraste können einen Abschnitt formen.

Der Ausdruck ist mit Arnold Schönbergs Harmonielehre von 1911 verbunden. Konsonanz und Dissonanz werden dabei nicht mehr als grundsätzlich gegensätzliche Klangarten behandelt. Intervalle können verschiedene Abstufungen von Spannung besitzen, ohne dass daraus immer eine vorgeschriebene Auflösung folgt.

Das heißt nicht, dass alle Klänge gleich klingen. Eine kleine Sekunde wirkt anders als eine Quinte. Gleichwertigkeit meint hier: Keine Intervallart ist allein aufgrund der traditionellen Tonalität grundsätzlich vom musikalischen Aufbau ausgeschlossen.

Auch Quartenakkorde, also aus übereinandergeschichteten Quarten gebildete Klänge, können ein eindeutiges Dur- oder Mollzentrum abschwächen. Sie sind jedoch kein sicherer Beweis für Atonalität; entscheidend bleibt ihre Verwendung im ganzen Zusammenhang.

Der Übergang zur Atonalität geschah nicht plötzlich. Spätromantische Chromatik, mehrdeutige Akkorde sowie Passagen mit mehreren tonalen Zentren lockerten die Dur-Moll-Tonalität bereits vor dem frühen 20. Jahrhundert.

Im engeren historischen Sinn bezeichnet freie Atonalität besonders Werke, die ungefähr zwischen 1907 und 1921 im Umfeld von Arnold Schönberg, Alban Berg und Anton Webern entstanden. Diese drei Komponisten werden der Zweiten Wiener Schule zugerechnet.

Der Begriff „atonal“ war zunächst auch ein abwertendes Schlagwort. Schönberg, Berg und Webern lehnten ihn ab, weil er wie „ohne Töne“ oder pauschal wie „Missklang“ verstanden werden konnte. Sie betrachteten ihre Musik nicht als Ende aller Ordnung, sondern als Weiterentwicklung musikalischer Beziehungen.

Mit der traditionellen Tonalität entfiel zunächst ein wichtiges Mittel zur Gliederung großer Formen. Frühe frei atonale Instrumentalwerke waren deshalb häufig kurz. In Liedern konnte dagegen ein Text den Verlauf zusätzlich ordnen.

Beispiele aus dieser Entwicklung sind Schönbergs Drei Klavierstücke op. 11 von 1909, Weberns Fünf Sätze für Streichquartett op. 5 von 1909 und Bergs Streichquartett op. 3 von 1910.

Die freie Atonalität schreibt kein einheitliches Verfahren zur Auswahl aller Töne vor. Schönberg suchte später nach einem stärker festgelegten Ordnungsprinzip und entwickelte die Methode der Komposition mit zwölf nur aufeinander bezogenen Tönen.

Schönberg verwendete diese Methode ab 1923 unter anderem in Teilen seiner Fünf Klavierstücke op. 23 und in den meisten Sätzen der Suite für Klavier op. 25.

Die Zwölftontechnik kann die zwölf Halbtöne weitgehend gleichmäßig verteilen. Sie garantiert aber nicht automatisch einen atonalen Höreindruck. Je nach Aufbau der Reihe und Verbindung der Töne können auch tonal wirkende Bereiche entstehen.

Du musst beim Hören nicht sofort entscheiden, ob ein Werk „atonal“ ist. Sammle zuerst Beobachtungen. Eine einzelne Dissonanz, ein Quartenakkord oder eine chromatische Linie reicht für eine sichere Einordnung nicht aus.

Gehe in fünf Schritten vor:

1. Suche nach einem Zentrum. Kehrt ein Ton oder Akkord als deutliches Ziel zurück?
2. Beobachte Spannungen. Werden Klänge wie Dominante und Tonika aufgelöst, oder verlaufen sie anders?
3. Verfolge Wiederholungen. Erkennst du Motive, Rhythmen oder charakteristische Intervalle?
4. Achte auf Klang und Form. Welche Veränderungen von Klangfarbe, Dynamik, Dichte oder Instrumentation gliedern die Passage?
5. Formuliere ein begründetes Urteil. Nenne mehrere Beobachtungen und kennzeichne Unsicherheit, wenn die Merkmale nicht eindeutig sind.

Wiederholtes Hören kann helfen, Motive und Formabschnitte vertrauter zu machen. Das ist eine Hörstrategie, keine Erfolgsgarantie. Es ist ebenso legitim, wenn dir ein Werk nach mehreren Versuchen nicht gefällt.